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Educação musical

Bob Marley

Celebrando Artistas Negros - Parte 4

Alguns dos hiperlinks presentes no texto abaixo estão em inglês.

Neste artigo, vamos homenagear artistas negros que foram importantíssimos para a história do Rock ‘n’ Roll e outros gêneros musicais. Esses artistas iniciaram suas carreiras entre o início e o final da década de 1960, começando com o grande Bob Marley e encerrando com o icônico Phil Lynnot, do Thin Lizzy.

Não se esqueça de conferir as outras listas que preparamos com outros grandes nomes.

 

INSTRUMENTOS

Canto e guitarra

 

GÊNEROS MUSICAIS

Reggae, Ska, Folk

 

MÚSICAS FAMOSAS

No Woman No Cry, Three Little Birds, One Love

 

ARTISTAS/PROJETOS COM OS QUAIS COLABOROU

The Wailers, Peter Tosh, Bunny Wailer, Ziggy Marley, Damian Marley, Skip Marley, Junior Marvin, Jimmy Cliff, Desmond Dekker, Toots and the Maytals, Lee “Scratch” Perry

 

BIOGRAFIA

Bob Marley foi um músico e compositor jamaicano, pioneiro da música Reggae, popularizando-a e, assim, tornando-se um dos artistas mais celebrados do mundo.

Marley começou a tocar em bandas com amigos no bairro de Trenchtown, em Kingston, na Jamaica. Na adolescência, aos 19 anos, já tinha um hit número um na Jamaica. Marley, junto com Bunny Wailer e Peter Tosh, formaram o The Wailers no início dos anos 1960, e a banda rapidamente se tornou popular na cena local de Ska. No entanto, só em 1969 é que o The Wailers, influenciados pela canção "Do the Reggay", dos Maytals, juntaram-se ao produtor Leslie Kong e começaram a desenvolver o som característico que os levaria ao estrelato internacional. Com a orientação de Kong, a banda desacelerou ainda mais os grooves de Ska e Rocksteady e colocou uma ênfase maior em instrumentos de Rock e R&B, como guitarra elétrica, órgão e, especialmente, baixo e bateria, ajudando a criar uma nova sonoridade no Reggae.

No início dos anos 1970, quando os Wailers assinaram com a Island Records, a música Reggae ganhou popularidade internacionalmente. Em 1973, a banda lançou dois álbuns, “Catch a Fire” e “Burnin' ”, que se tornaram exemplos definitivos do gênero, especialmente depois que Eric Clapton fez um sucesso com um cover da música “I Shot the Sheriff”, de Marley, introduzindo o Reggae para um blues mais amplo e públicos de Rock. Bob Marley se tornou a face internacional da música Reggae e, depois que Bunny Wailer e Peter Tosh decidiram seguir em carreiras solo,Marley continuou a lançar discos sob o nome de Bob Marley e The Wailers. Em 1975, sua canção “No Woman No Cry” se tornou um sucesso mundial, e ele lançou sete álbuns de estúdio solo antes de sua morte prematura de câncer em 1981, com apenas 36 anos de idade.

Além de ser um talentoso guitarrista, cantor e compositor, Bob Marley era um ativista político declarado e um defensor dos direitos humanos. Muitas das letras de suas canções denunciam o colonialismo, o imperialismo e a opressão e apelam à unidade entre os povos africanos de todo o mundo. Marley sobreviveu uma vez a uma tentativa de assassinato e, embora tenha sido baleado várias vezes, ele se apresentou em um festival apenas poucos dias depois.

Bob Marley é um ícone incontestável, um dos músicos mais vendidos de todos os tempos, sendo seu nome  sinônimo do gênero que ajudou a criar. Seu legado musical sobrevive não apenas por meio de seus numerosos descendentes, que se tornaram músicos de sucesso por seus próprios direitos, mas também pela influência incalculável que suas canções e reggae continuam a ter no rock, pop e R&B modernos.

 

CONTEXTO HISTÓRICO E/OU CULTURAL

Foi pioneiro do Reggae, além de ter popularizado o gênero. Foi, também, um dos maiores nomes da música a se pronunciar sobre questões políticas e sociais, discutindo desde colonialismo às formas opressão. 

 

ARTISTAS/PROJETOS QUE INFLUENCIOU

Jimmy Cliff, The Police, Stevie Wonder, The Clash, Eric Clapton, Madness, Sublime

 

 

Jimi Hendrix

INSTRUMENTOS

Guitarra e canto

 

GÊNEROS MUSICAIS

Blues, Ballads, Rock, R&B e Jazz

 

MÚSICAS FAMOSAS

Purple Haze, All Along the Watchtower, Little Wing, Voodoo Child (Slight Return), Hey Joe, Machine Gun, Red House

 

ARTISTAS/PROJETOS COM OS QUAIS COLABOROU

The Jimi Hendrix Experience, Little Richard, Billy Cox, Noel Redding, Mitch Mitchell, The Isley Brothers, Band of Gypsys

 

BIOGRAFIA

Jimi Hendrix nasceu em Seattle, em 1942, e recebeu o nome de Johnny Allen Hendrix, mas algum tempo depois seu pai, James Allen Hendrix, mudou seu nome para James Marshall Hendrix.

Jimmy (como era conhecido na época) não aprendeu a ler ou a compor música da maneira formal, mas isso não o impediu de se tornar um grande músico. Em vez disso, ele se concentrou em seu desenvolvimento musical por meio de sua percepção auditiva, tendo grandes artistas da época como influências, incluindo Buddy Holly, B.B. King, Howlin’ Wolf, Muddy Waters e Robert Johnson.

Jimmy formou sua primeira banda, The Velvetones, em 1958. Pouco depois, seu pai comprou sua primeira guitarra elétrica (uma Supro Ozark 1560 S), que usou na banda The Rocking Kings. Em 1961, Jimmy acabou se alistando no Exército e tornando-se paraquedista, mas foi lá que conheceu Billy Cox, baixista que se tornaria um colaborador frequente de sua música. Dispensado do serviço militar em 1962, começou a trabalhar como guitarrista sob o nome de Jimmy James.

Em 1965, Jimmy havia se estabelecido como um músico de apoio de renome e já havia tocado com vários artistas famosos, como Ike e Tina Turner, Little Richard, Sam Cooke e The Isley Brothers. Jimmy formou uma nova banda, a Jimmy James and the Blue Flames, e chamou a atenção do baixista Chas Chandler (da banda inglesa The Animals) durante uma de suas apresentações em Greenwich Village. Chandler convidou Hendrix para se mudar para Londres e formar uma nova banda, que se tornou a Jimi Hendrix Experience, cuja formação era composta pelo baterista Mitch Mitchell, o baixista Noel Redding e "Jimi", seu novo nome artístico estilizado por Chas Chandler.

O primeiro single da banda, “Hey Joe”, e o álbum “Are You Experienced?”, lançado em 1967, foram sucessos imediatos na Inglaterra. Em junho de 1967, Jimi retornou aos Estados Unidos e, após sua performance impactante no Monterey Pop Festival, onde ele incendiou sua guitarra, a Jimi Hendrix Experience se tornou uma das turnês de maior bilheteria do mundo. No final de 1967, Hendrix lançou “Axis: Bold As Love”, um álbum marcante, no qual viu expandir seu estilo único com técnicas de estúdio inovadoras, guitarra experimental e efeitos vocais.

Em 1968, a Jimi Hendrix Experience lançou seu último álbum, “Electric Ladyland”, que continha uma versão revolucionária de "All Along the Watchtower", de Bob Dylan, este tão impressionado com os efeitos, que  começou a usar o arranjo de Hendrix em seus shows, Com isso, a música se tornou o single de maior sucesso de Hendrix. No entanto, apesar do excelente momento em que vivia a banda, as tensões entre Hendrix, os músicos e o empresário Chandler tornaram-se muito difíceis de resolver, e o Experience acabou em 1969.

Hendrix continuou trabalhando como artista solo e se apresentou em Woodstock com uma nova banda (que ele chamou de Gypsy Sun and Rainbows). Sua performance com a guitarra do Hino Nacional dos Estados Unidos ("Star Spangled Banner"), em Woodstock,  tornou-se  um dos momentos mais memoráveis ​​da história do Rock and Roll e foi um marco nas ações de protesto mais influentes feitas pelo músico.

Depois de Woodstock, Hendrix se reuniu com o velho amigo do Exército, Billy Cox, e, junto com o baterista Buddy Miles, formou a Band of Gypsys, um trio totalmente negro que trouxe mais influência do Soul, Funk e Jazz para a guitarra sempre inovadora de Hendrix, que um álbum com essa banda, intitulado “Band of Gypsys”. O álbum é notável por seus extensos jams improvisados ​​e pela música “Machine Gun”, de Hendrix, uma canção de protesto  ontra a  Guerra do Vietnã, em que Hendrix cria um ambiente sonoro de guerra com sua guitarra, simulando tiros e foguetes.

Em 1970, Jimi reuniu membros do The Jimi Hendrix Experience e gravou várias faixas em estúdio para um álbum que deveria se chamar “First Rays Of The New Rising Sun”. Infelizmente, Jimi morreu em 18 de setembro de 1970, de uma overdose acidental de analgésicos. Ele tinha apenas 27 anos. Seu último álbum, intitulado “The Cry of Love”, foi lançado em 1971, com curadoria do engenheiro de estúdio Eddie Kramer e do baterista Mitch Mitchell. Os lançamentos póstumos de Hendrix incluem “Voodoo Soup”, em 1995, e “First Rays of the New Rising Sun”, em 1997.

Jimi Hendrix foi um dos músicos mais influentes e criativos do século 20, e ideias modernas sobre as técnicas de guitarra no rock nunca teriam sido as mesmas sem ele. Ele foi considerado a maior inspiração de legiões de jogadores profissionais, incluindo Eric Clapton, Jeff Beck, Jimmy Page, Eddie Van Halen, Prince, Slash, Steve Vai, Joe Satriani, Stevie Ray Vaughan, Eddie Hazel, John Frusciante, Gary Clark Jr., John Mayer, Tom Morello e centenas de outros. Hendrix, junto com os outros membros do Experience, foi incluído no Rock and Roll Hall of Fame em 1992. Ele foi premiado com um Grammy Lifetime Achievement Award no mesmo ano. Em 2014, o Serviço Postal dos Estados Unidos emitiu um selo comemorativo em homenagem às contribuições de Jimi Hendrix à cultura e música norte-americanas.

 

INOVAÇÕES TÉCNICAS

Inovou nos tons e texturas das sonoridades da guitarra, além de ter sido pioneiro no uso de distorção, feedback, wah, phaser e outros efeitos.

 

CONTEXTO HISTÓRICO E/OU CULTURAL

É amplamente considerado um dos maiores guitarristas da história do Rock ‘n’ Roll, tendo sido boa parte de sua obra influenciada por questões  políticas, como a Guerra do Vietnã.

 

INFLUENCIOU OS SEGUINTES ARTISTAS/PROJETOS

Steve Vai, Slash, Prince,  Eric Clapton, David Bowie,  Freddie Mercury, Michael Hampton (Parliament-Funkadelic), Stevie Ray Vaughan, Joe Satriani, Jeff Beck, Jimmy Page, Eddie Van Halen, John Frusciante, Gary Clark Jr., John Mayer, Tom Morello e muitos outros

 

Michael Jackson

INSTRUMENTOS

Canto, teclado, percussão, guitarra e baixo

 

GÊNEROS MUSICAIS

Pop, Funk, Disco, R&B

 

MÚSICAS FAMOSAS

I Want You Back, ABC, Beat it, Billie Jean

 

ARTISTAS/PROJETOS COM OS QUAIS COLABOROU

Michael Jackson, Janet Jackson, Jermaine Jackson, The Jacksons, The Jackson 5

 

BIOGRAFIA

Quando Michael Jackson, com seis anos,  juntou-se  aos seus irmãos mais velhos - Jackie, Tito, Jermaine e Marlon -  nos Jackson Brothers, em 1964, o curso da música pop e R&B mudou para sempre. e logo eles se tornaram o Jackson 5. Seu pai, Joe Jackson, era do tipo linha dura e contratou shows para os filhos em toda a região Centro-Oeste e na Costa Leste. Em 1967, o Jackson 5 assinou contrato com uma gravadora pequena da região, a Steeltown Records, e lançou alguns singles com sucesso limitado.

Eles assinaram com a Motown Records em 1968, e a gravadora investiu pesado na banda. Seu primeiro single, “I Want You Back”, alcançou o primeiro lugar nas paradas de sucesso, e eles seguiram com mais três singles consecutivos ainda nas paradas de sucesso: “ABC”, “The Love You Save,” e “I’ll Be There”. Lançaram  quatro álbuns entre 1970 a 1971, tendo sido três deleslançados em 1970. O Jackson 5 se tornou a banda de maior sucesso da Motown e o modelo para as futuras gerações de boybands.

O Jackson 5 frequentemente aparecia em redes de televisão e capas de revistas para adolescentes. Quando  Michael começou a lançar material solo em 1971 e à medida que sua carreira estava decolando, o sucesso da banda começou a diminuir em meados dos anos 1970. Seu relacionamento com a Motown azedou, e a banda mudou-se para a Epic Records em 1976. Como a Motown detinha os direitos do nome Jackson 5, a banda se tornou “The Jacksons”.

Ainda que os Jacksons tivessem um sucesso considerável com o álbum “Destiny” em 1978, Michael lançou “Off the Wall” em 1979, álbum que marcou o surgimento de Michael como um artista solo de renome. É também o primeiro álbum de Michael produzido por Quincy Jones e que foi um sucesso comercial absurdo logo de cara, vendendo mais de 20 milhões de cópias mundo afora. No entanto, Michael ainda fazia parte dos Jacksons, chegando a lançar o álbum “Triumph”.

O disco “Thriller”, lançado em 1982, inaugurou um dos períodos de maior sucesso da indústria fonográfica. Com o apoio da MTV, o videoclipe de “Thriller” apresentava 14 minutos de duração, com zumbis dançando coreografias e mostrando as incríveis habilidades de dança de Michael Jackson. Enquanto a maioria dos álbuns continha um ou dois hits, Thriller teve sete singles na lista dos Dez Mais Vendidos e ganhou oito Grammys,  pois foi  a obra mais vendida de todos os tempos, com mais de 66 milhões de cópias vendidas no mundo todo.

Após o sucesso inigualável de “Thriller”, Michael continuou com os Jacksons e gravou “Victory”. Após a turnê do álbum, deixou oficialmente o grupo. . Nos anos seguintes, o sucesso e a notoriedade de Michael se tornaram assunto dos tabloides, com relatos de que ele recebia tratamento médico por conta de uma série de doenças e de que também se submetia a diversas cirurgias plásticas. Em 1987, ele lançou “Bad”, continuando no topo das paradas dos mais vendidos. Michael Jackson agora era conhecido como o Rei do Pop, um título que o colocava no topo do mundo da música, seguindo os passos de Elvis e dos Beatles. Tal acontecimento é absurdamente relevante, uma vez que  nenhum outro artista negro alcançou tal nível de sucesso e popularidade.

Nos anos 90, Michael continuou lançando álbuns, incluindo “Dangerous”, que continha o single líder das paradas “Black or White” comprou o rancho Neverland, sua propriedade pessoal que mais parecia um parque de diversões e foi batizada em homenagem à ilha fictícia das histórias de Peter Pan. O músico, então, lançou sua autobiografia “Moonwalk”, na qual revelou os casos de abuso e violência nas mãos de seu pai, além de uma infância muito solitária. Durante esse período, surgiram alegações em torno das supostas relações impróprias de Michael com crianças. Apesar das alegações, o astro nunca foi condenado por qualquer crime.

Durante os anos 2000, Michael permaneceu sob os holofotes, mas sua carreira musical continuou a ser ofuscada por sua vida pessoal. Ele enfrentou dificuldades financeiras e, no final de 2003, mais acusações criminais  lhe foram feitas  Depois de um longo processo judicial em 2005, Michael foi novamente absolvido de todas  elas , mas continuou a ter problemas de saúde e financeiros.

Em 2009, Michael anunciou uma série de shows em uma turnê de retorno intitulada “This Is It”. Durante os ensaios para os próximos shows, morreu de uma overdose de propofol em 25 de junho. Sua morte prematura foi considerada homicídio, e seu médico pessoal foi condenado por homicídio involuntário. Após tal tragédia,  houve mais alegações de abuso infantil por parte de Michael,  e o documentário da HBO, “Leaving Neverland”, foi lançado. Essa produção  resultou no apoio dos fãs, mas também em uma reação negativa sobre as atitudes de Michael.

Influenciado por James Brown, Little Richard e sua amiga pessoal Diana Ross, Michael Jackson é talvez o maior astro musical de todos os tempos. De criança prodígio a artista de maior sucesso da história, deixou um legado musical incomparável em seu brilho e polêmica. 

 

INOVAÇÕES TÉCNICAS

Revolucionou a produção de videoclipes

 

CONTEXTO HISTÓRICO E/OU CULTURAL

Biggest Pop star of all time, the King Of Pop

 

ARTISTAS/PROJETOS QUE INFLUENCIOU

Prince, Boyz II Men, NSYNC, Backstreet Boys, Justin Bieber, The Weeknd e diversos outros

 

Richie Havens

INSTRUMENTOS

Canto e violão

 

GÊNEROS MUSICAIS

Folk, Blues, Soul

 

MÚSICAS FAMOSAS

Freedom, Here Comes the Sun

 

ARTISTAS/PROJETOS COM OS QUAIS COLABOROU

Bob Dylan, The Beatles

 

BIOGRAFIA

Richie Havens cresceu no Brooklyn e mudou-se para Greenwich Village na década de 1960, onde, aos vinte e poucos anos,  estabeleceu-se no crescente cenário musical folk daquele bairro. O estilo de violão com um toque de palhetada mais agressiva utilizado por Havens e sua voz comovente chamaram a atenção dos círculos populares. Seu álbum “Something Else Again”, de 1968, entrou para o Top 200 da Billboard. No festival de Woodstock, em 1969, Havens chamou a atenção de todos com um set de abertura cativante, que incluía um arranjo improvisado de “Freedom”, baseada na antiga canção afro-americana “Motherless Child”. Ironicamente, ele abriu o festival por acaso, pois a banda agendada, Sweetwater, chegaria atrasada. Assim, Havens, que não contava com  material preparado previamente, teve de improvisar “Freedom” para estender seu show até a chegada de Sweetwater.

Depois de Woodstock, Havens foi uma estrela internacional e uma grande influência na música Folk, Blues e Rock. Ele tinha o dom de reinterpretar canções populares de rock em um estilo único.  Sua versão de “Here Comes the Sun”, dos Beatles, foi seu single de maior sucesso comercial. Por sua vez, suas próprias canções foram tocadas por bandas populares de Rock, como “No Opportunity Necessary, No Experience Needed”, tocada pela banda Yes.

Richie Havens também foi um ator talentoso, aparecendo em vários filmes e na adaptação de “Tommy”, do The Who, para os palcos. Na década de 1980, ele se tornou um dos principais compositores e cantores de jingles comerciais. Havens, de ascendência africana e indígena, era um defensor dos direitos dos povos originários norte-americanos e indígenas. Ele também era apaixonado pelo meio ambiente e criou  programas que visavam educar as crianças sobre questões ambientais.

Havens fez turnês e se apresentou frequentemente por 45 anos, indo de clubes a grandes festivais, como Woodstock e o Tibetan Freedom Concert, até a posse presidencial de Bill Clinton. Problemas de saúde o levaram à aposentadoria das turnês em 2010, chegando a falecer de um ataque cardíaco em 2013. 

 

CONTEXTO HISTÓRICO E/OU CULTURAL

Pioneiro do Folk Rock, um dos grandes nomes de Woodstock e defensor dos direitos dos originários da América do Norte

ARTISTAS/PROJETOS QUE INFLUENCIOU

Bob Dylan, The Beatles, The Who, Yes, Flaming Lips

 

Sly

INSTRUMENTOS

Sly Stone (canto e teclado), Freddi Stone (guitarra e canto), Rose Stone (teclado e canto), Larry Graham (baixo), Jerry Martini (saxofone), Cynthia Robinson (trompete), and Greg Errico (bateria)

 

GÊNEROS MUSICAIS

Funk, Rock, Soul, Psychedelic

 

MÚSICAS FAMOSAS

Dance to the Music, Everyday People, Thank You (Falettinme Be Mice Elf Again), If You Want Me To Stay

 

ARTISTAS/PROJETOS COM OS QUAIS COLABOROU

Graham Central Station

 

BIOGRAFIA

Sly and the Family Stone  era uma banda de Funk, Rock, Soul e Psicodelia formada em San Francisco, em 1966. Liderados pelo carismático Sly Stone, eles tiveram muito sucesso e foram a primeira banda de Rock proeminente a apresentar uma formação multirracial, com homens e mulheres no grupo. 

Sylvester Stone, conhecido como Sly, compôs e produziu o material da banda, demonstrando ser um músico talentoso desde muito novo, que cresceu tocando música gospel. Bandas com formações mistas eram uma raridade fora do Jazz,  e a banda apresentou uma mensagem visual que combinava com seus ideais de conexão humana.

A formação clássica da banda consistia em Sly nos vocais e teclado, seus irmãos Freddi Stone (guitarra e vocais) e Rose Stone (teclas e vocais). O baixista Larry Graham é o inventor da técnica do slap bass, um som que ajudou a definir o Funk moderno. Os instrumentos de sopro eram tocados por Cynthia Robinson e Jerry Martini, que, por acaso, era primo do baterista Greg Errico.

Sly and the Family Stone liderou as paradas pela primeira vez com o single “Dance to the Music” em 1968 de seu segundo álbum de mesmo nome. Isso levou a uma série de sucessos, incluindo “Everyday People” e “Thank You (Falettinme Be Mice Elf Again)”. A banda lançou álbuns até 1982, mas seu último grande sucesso foi em 1973 com “If You Want Me To Stay”.

Em 1969, a banda tocou em Woodstock, em 1969. Seu show foi o destaque do festival ao lado de Jimi Hendrix e do The Who. Infelizmente, o sucesso da banda estava causando atritos internos, e seus membros ganharam a reputação de não serem confiáveis ​​devido ao uso de drogas, especialmente Sly. Em 1971, Errico foi o primeiro a sair, seguido por Graham e Freddie Stone, que formaram a Graham Central Station em 1973.

Sly Stone passou por momentos difíceis depois que a banda se separou, e sua última aparição pública, até 2006,  aconteceu quando a banda foi incluída no Rock and Roll Hall of Fame em 1993. Em 2010, Stone processou seu ex-empresário e recebeu cinco milhões de dólares, mas a decisão foi posteriormente anulada. Embora sejam frequentemente esquecida pelos fãs de música moderna, Sly and the Family Stone estava à frente de seu tempo musicalmente e  é uma das bandas de funk mais influentes de todos os tempos, tendo sido formadora  da musicalidade de ícones, desde Prince aos Red Hot Chili Peppers e os Beastie Boys.

 

CONTEXTO HISTÓRICO E/OU CULTURAL

A primeira grande banda de Rock ‘n’ Roll com uma formação multirracial e inclusiva para homens e mulheres

 

INFLUENCIOU OS SEGUINTES ARTISTAS/PROJETOS

Prince, Red Hot Chili Peppers, Dirtbombs, Beastie Boys

William Earl

INSTRUMENTOS

Baixo e canto

 

GÊNEROS MUSICAIS

Funk, Soul, Rock, R&B

 

MÚSICAS FAMOSAS

Super Bad (James Brown), Flash Light (Parliament), Groove Is In The Heart (Deee-Lite)

 

ARTISTAS/PROJETOS COM OS QUAIS COLABOROU

Parliament-Funkadelic, Bootsy's Rubber Band, James Brown, The J.B.'s, George Clinton, Deee-Lite, Catfish Collins, Fatboy Slim, Buddy Miles, Clyde Stubblefield

 

BIOGRAFIA 

Bootsy Collins é um dos baixistas mais conhecidos, respeitados e influentes da história da música norte-americana e um dos pioneiros da música Funk. Nascido em Cincinnati, Collins tinha apenas 19 anos quando ele e seu irmão, o guitarrista Catfish Collins, e alguns outros companheiros de banda, foram contratados como banda de apoio para a lenda do Soul and do Funk James Brown. Conhecida como J.B.’s, essa banda apoiaria James Brown em muitos sucessos do funk, como "Get Up (I Feel Like Being a) Sex Machine" e “Super Bad”.

Depois de deixar os J.B.s no início dos anos 1970, Bootsy Collins se juntou a George Clinton na Funkadelic, em que  foi capaz de desenvolver ainda mais seu estilo funky de baixo, sua habilidade de composição e seu estilo pessoal extravagante (incluindo seu clássico “Space Bass”). O estilo de Collins ajudou a definir os parâmetros das linhas de baixo Funk – ênfase forte no “1”, uso da técnica de tapa e pop e experimentação com efeitos como wah e envelope filter. Mesmo durante seu tempo na Funkadelic e na Parliament, o grande Collins lançou vários álbuns de sucesso com seu projeto paralelo, a Bootsy’s Rubber Band

Nas décadas de 1980 e 1990, Bootsy Collins continuou se apresentando, produzindo e colaborando com muitos artistas, chegando a explorar o gênero Club Dance e  a fazer parceria com Deee-Lite, em seu hit “Groove Is In The Heart”. Ele foi incluído no Rock and Roll Hall of Fame em 1997 como um membro do Parliament-Funkadelic. Embora agora esteja aposentado das apresentações, Bootsy Collins se tornou um filantropo e defensor da educação musical para jovens e continua sendo um dos baixistas e personalidades mais influentes da história do Rock and Roll.

 

INOVAÇÕES TÉCNICAS

Baixo espacial

 

CONTEXTO HISTÓRICO E/OU CULTURAL

Pioneiro do Funk, baixista icônico e defensor do ensino de música para a juventude

 

ARTISTAS/PROJETOS QUE INFLUENCIOU

Prince, Flea, Rick James, Les Claypool, Thundercat, Childish Gambino

 

The Meters

GÊNEROS MUSICAIS

Funk, Soul

 

MÚSICAS FAMOSAS

Cissy Strut, Look-Ka Py Py

 

ARTISTAS/PROJETOS COM OS QUAIS COLABOROU

Funky Meters, Neville Brothers

 

BIOGRAFIA

O The Meters foi formado em 1965 em Nova Orleans com Art Neville (teclas e vozes), George Porter Jr. (baixo), Leo Nocentelli (guitarra) e Zigaboo Modeliste (bateria). Cyril Neville (percussão e vocal) também fez parte da banda nos anos 1970. A princípio, os músicos de estúdio principal da gravadora Sansu de Allen Toussaint, a banda alcançou o sucesso com o single “Cissy Strut” em 1969.

O som do Meters definiu o Funk de Nova Orleans. A banda ainda fez parte de vários sucessos de outros artistas, como “Lady Marmalade”, de Labelle, e “Right Place, Wrong Time”, do Dr. John’s. Seus grooves sincopados, combinados com a produção esparsa, mas precisa de Toussaint, foram transformados em samples por centenas de artistas de Hip Hop, incluindo Run DMC, NWA, Ice Cube, Public Enemy e Beastie Boys. Os grooves fortes e funkeados do The Meters inspiraram inúmeras bandas de outros gêneros, como Led Zeppelin e Talking Heads.

Os Meters entraram em um hiato entre 1980 e 1989. A banda teve várias mudanças de formação e se apresentou como The Funky Meters após um período. Em 2000, os membros da formação original reuniram-se  para um show especial. Desde então, tem-se referido à banda como Original Meters ou Funky Meters, dependendo da formação no show. O show final do Original Meters foi em 2017. Um ano depois, Art Neville se aposentou da indústria fonográfica e faleceu  em 22 de julho de 2019. Vários membros do Meters ainda se apresentam em uma variedade de formações e permanecem extremamente populares, especialmente no circuito de festivais Jam Band, no qual influenciaram toda uma nova geração de artistas. 

 

CONTEXTO HISTÓRICO E/OU CULTURAL

Criadores do Funk de Nova Orleans

 

INFLUENCIOU OS SEGUINTES ARTISTAS/PROJETOS

Red Hot Chili Pep Parlamento pers, Keith Richards, Grateful Dead, Galactic, Phish

Eart Wind Fire

GÊNEROS MUSICAIS

R&B, Soul, Funk, Disco, Rock

 

MÚSICAS FAMOSAS

September, After The Love Is Gone, Shining Star, Let’s Groove

 

BIOGRAFIA

Earth, Wind & Fire (muitas vezes abreviado para EWF) é uma banda de R&B de Chicago, que mesclou elementos de Soul, Funk, Disco, Rock, Jazz, World Music e Eletrônica em uma sonoridade única que os tornou uma das bandas de maior sucesso da história da música norte-americana. Fundada  por Maurice White em 1969,  contou com um grande conjunto de músicos de apoio, incluindo o vocalista Phillip Bailey e seu meio-irmão de Maurice, além do baixista Verdine White. EWF é conhecida por seus hinos pop cheios de sonoridade dançante, sua instrumentação diversa (incluindo uma grande seção de trompetes e os evidentes talentos de Maurice White na kalimba) e suas elaboradas produções de palco. A voz de barítono de White e o falsete característico de Bailey criam um contraste dinâmico que dá a muitas músicas da  EWF um som instantaneamente reconhecível.

Com canções de sucesso, como “Shining Star” e “September”, o EWF se estabeleceu-se,  na década de 1970, como a banda de R&B mais proeminente do mundo. Eles venderam mais de 90 milhões de álbuns e, em um período de 1975 a 1981, lançaram seis álbuns consecutivos que ficaram Top 10 Mais Vendidos, sendo que quatro destes alcançaram o primeiro lugar nas paradas de R&B. Ao longo da década de 1980, o EWF continuou a ter notoriedade  e abraçou a tecnologia musical e a experimentação eletrônica em sucessos como “Let’s Groove”.

Earth, Wind & Fire  foi celebrada por suas produções teatrais inovadoras e elaboradas com figurinos, cenários, coreografia, pirotecnia e até mesmo ilusões de ótica, como um piano flutuante. Maurice White acreditava que a música deveria ser um veículo de positividade e se esforçou para criar uma atmosfera mágica nas apresentações da banda.

Apesar de uma breve pausa durante a década de 1980, o EWF permaneceu uma atração de palco internacional até o século 21. A banda foi incluída no Rock and Roll Hall of Fame em 2000. Maurice White faleceu em 4 de fevereiro de 2016 por conta de problemas relacionados ao mal de Parkinson. No mesmo ano, a  EWF recebeu o prêmio pelo conjunto de sua obra no Grammy de 2016. Em 2019, tornou-se a primeira banda afro-americana a receber o Prêmio Kennedy

 

INFLUENCIOU OS SEGUINTES ARTISTAS/PROJETOS

Lenny Kravitz, Linkin Park, Erykah Badu, Fallout Boy, Amy Winehouse

Thin Lizzy

INSTRUMENTOS

Canto e baixo

 

GÊNEROS MUSICAIS

Rock, Hard Rock e música irlandesa tradicional

 

MÚSICAS FAMOSAS

The Boys are Back in Town, Whiskey in the Jar, Cowboy Song

 

BIOGRAFIA

Phil Lynott é, realmente, um dos ícones desconhecidos do Rock and Roll. Liderar uma das maiores bandas de proto-Hard Rock, Thin Lizzy, fez de Phil Lynott o primeiro homem negro a ser uma grande primeira estrela do rock na Irlanda. Nascido na Inglaterra, em 1949,  ele cresceu na Irlanda e foi criado pelos avós. Depois de cantar em uma série de bandas (incluindo Skid Row ao lado do futuro guitarrista do Thin Lizzy, Gary Moore), Lynott e o baterista Brian Downey formaram o Thin Lizzy em 1969.

Thin Lizzy era uma banda conhecida  por suas guitarras de harmonia idêntica e  pela  personalidade mega carismática de Lynott no palco. Como principal compositor, vocalista e baixista da banda, Lynott não era apenas o frontman, mas a força criativa por trás  do grupo. Eles alcançaram o sucesso pela primeira vez, na Irlanda, com a tradicional a “Whiskey in the Jar”, em 1973, e, em seguida, produziram o hit mundial “The Boys are Back in Town” em 1976. Outras faixas de destaque incluem "Jailbreak" e "Cowboy Song" .

As letras introspectivas de Lynott eram mais na veia de Bob Dylan do que o típico hard rocker. Ele costumava usar temas irlandeses que consolidaram ainda mais seu lugar na história e cultura do rock irlandês. Lynott tinha uma entrega vocal descontraída e única, o que tornou ainda mais destacadas  suas  habilidades em contar histórias por meio de suas canções. Thin Lizzy foi uma grande influência para diversas bandas de Metal e Hard Rock, incluindo Metallica e Def Leppard. Depois de lutar contra o vício,  ele foi hospitalizado e morreu em 1986, aos 36 anos. Thin Lizzy foi indicado ao Rock and Roll Hall of Fame em 2020, mas não foi incluído.

 

CONTEXTO HISTÓRICO E/OU CULTURAL

Foi o primeiro músico negro e irlandês de grande sucesso

 

INFLUENCIOU OS SEGUINTES ARTISTAS/PROJETOS

Metallica, Iron Maiden, Def Leppard

 

SAIBA MAIS SOBRE OUTROS GRANDES ARTISTAS NEGROS